Klassische Moderne (1900–1945) – Noten

Entdecken Sie hier die wunderbare Welt der Musik der Klassischen Moderne mit einer umfangreichen Auswahl an Noten und lesen Sie nach dem "+" mehr über die verschiedenen Stilrichtungen und die damit verbundenen Komponisten, die diese besondere Zeit zu Beginn des 20. Jahrhunderts geprägt haben.

Die Schrecken des Ersten Weltkriegs bewirkten eine dermaßen veränderte Perspektive, dass die Kunst von diesem Moment an nie wieder dieselbe sein konnte. Die kulturell-gesellschaftlichen Veränderungen, die Ende des 19. Jahrhunderts bereits begonnen hatten, führten zu neuen Aussichten, die auch in verschiedenen innovativen Kunstrichtungen ihren Ausdruck fanden. Die Gesamtheit dieser neuen Denkweise und der begleitenden Kunstbewegungen wird als Klassische Moderne bezeichnet.

Eine Übersicht der wichtigsten Stilrichtungen, verwandte Komponisten und natürlich die dazugehörigen Noten finden Sie hier!

Gedehnte Tonalität

Im Laufe des 19. Jahrhunderts wurden die Grenzen der Tonalität so weit gedehnt, dass man ab einem bestimmten Zeitpunkt nicht mehr von tonaler Musik sprechen konnte. Die Verwendung der Polytonalität durch Komponisten wie Igor Strawinsky, Béla Bartok und Charles Ives und in noch größerem Maße die Zwölftonmusik von Arnold Schönberg und seinen Schülern und das daraus entwickelte Serialismus sind markanteste Beispiele dafür.

Die Suche nach neuen Ausdrucksformen führte zur Entstehung verschiedener Stilrichtungen. Die meisten Komponisten haben in dieser Zeit unterschiedliche Perioden durchlaufen und Werke geschrieben, die sich verschiedenen Stilrichtungen zuordnen lassen.

Entdecken Sie hier drei wichtige Strömungen der Klassischen Moderne und die dazugehörigen Komponisten.

Folklorismus

Der Aufstieg nationalistischer Bewegungen löste Ende des 19. Jahrhunderts ein Wiederaufleben des Interesses an Volksmusik aus. Neue technische Möglichkeiten, wie die Erfindung des Phonographen, erleichterten auch die Dokumentation und Sammlung von Volksmusik. Pioniere auf diesem Gebiet waren der rumänische Komponist Béla Bartók, der Tscheche Leoš Janáček und der Ungar Zoltán Kodály.

Diese Entwicklung führte innerhalb der klassischen Musik sowohl auf melodischer als auch auf rhythmischer Ebene zu einem neuen Idiom, das sich von den oben erwähnten Entwicklungen im Bereich der Tonalität abgrenzte. Gute Beispiele sind die Melodien aus der Oper „Jenufa“ von Leos Janacek, die auf Rhythmen und Intonation der tschechischen Sprache basieren, und die Rhapsodien für Violine von Béla Bartók.

Expressionismus & Serialismus

Expressionisten setzten sich zum Ziel, wahre Emotionen in Musik einzufangen, ohne sie zu beschönigen. Sie betrachteten vor allem die (subjektive) Innenwelt im Gegensatz zur Außenwelt und ließen alle traditionellen Schönheitsideale hinter sich, um ihr Ziel zu erreichen.

Expressionistische Musik zeichnet sich durch ein hohes Maß an Dissonanz, extreme Dynamik und große Kontraste in Farbe, Tonhöhe etc. aus. Dieser Richtung wird in der Musik allgemein mit der 2. Wiener Schule von Arnold Schönberg und seinen Schülern Anton Webern und Alban Berg und der von ihnen verwendeten Zwölftontechnik (Dodekaphonie) in Verbindung gebracht. Es gibt jedoch noch viele weitere Komponisten aus dieser Zeit (und auch bis weit in das 20. Jahrhundert hinein), die dieser Bewegung zugerechnet werden könnten.

Markante Beispiele expressionistischer Musik sind unter anderem „Erwartung“ (1909) von Arnold Schönberg und die Oper „Wozzeck“ von Alban Berg (1922).

Neoklassizismus

Eine andere Art, Musik zu schreiben, die sich von der Musik und den Idealen der Romantik abhob, bestand darin, auf Formen und Tropen des Barock und der Klassik zurückzugreifen. Dies drückte sich in der Verwendung altmodischer Formen aus, wie etwa in Bohuslav Martinůs „Concerto Grosso“ (1937); Instrumentierung, wie im „Konzert für Cembalo, Flöte, Oboe, Klarinette und Cello“ von Manuel de Falla (1926) und auch in der Verwendung von thematischem Material von Komponisten des 18. und 19. Jahrhunderts wie „Pulcinella“ (1920) von Igor Strawinsky.